The Drums est un groupe fondé en 2008 des cendres de Elkland (un truc électronique, rien à voir, splitté en 2006) par quatre garçons dans le vent, américains mais gentils. En 2009 ils sont shortlistés pour BBC Sound Acts of 2010, classés 5èmes dans cette même liste en janvier 2010, matraquent les esprits à grands renforts de MTV (être signé chez Island ça aide), du coup se hissent dans les votes de lecteurs et font une entrée dans les charts pas trop mauvaise (16èmes chez les britons). Ouais. C’est un groupe qui a deux ans mais fait de la première partie de Kings of Leon, c’est-y pas beau l’entertainment moderne ? Et pendant ce temps plein de talentueux rament comme des dingues…

C’est pas tout ça, que cache ce disque qui est une “révélation” pour tant ? D’emblée on est accueilli par des relents d’élctronique cheap qui laissent vite la place à du bon gros rythme bien pop, le genre conçu pour bien péter sur toutes les radios. D’ailleurs un rapide coup d’oeil révèle qu’ils sont pour la plupart très proches du fameux 3 minutes 40 de la radio, comme c’est curieux. C’est pop, en 4/4, y’a du reverb, on fait péter le couplet-refrain sans risquer autre chose, et à première vue la production n’a pas été faite par des sourds. Deuxième morceau, même recette…

Mais dites-moi… la guitare me rappelle les deux tiers du répertoire des Cure, c’est normal ? A vrai dire la batterie et la basse pareil. Le chant beaucoup moins, c’est de la voix de puceau qui se donne un genre hipster, ça agace, mais le reste c’est pas possible quoi c’est du voulu on me vend un cover-band camouflé en révélation ! Le groupe cite comme influences The Smith et Joy Division (entre autres), faut croire que c’est normal… enfin ceci dit, quand au fil des morceaux les références se font aussi flagrantes, on ne doit plus dire “influences” mais “fournisseurs”, non ? Ou alors c’est moi qui râle.

Vient ensuite l’horriblement agaçant “Let’s go surfing” qui a le mérite de durer moins de 3 minutes, et la même recette est réchauffée, resservie ad nauseum toujours dans un format très pratique pour les radios qui n’aiment pas prendre de risque. Comme c’est commode. Comme c’est lassant.

Ah ben quoi, c’est déjà fini ? C’était pas si long que ça finalement. Ah. 43 minutes. Tout s’explique…

En bref, pas de quoi fouetter un chat, ceci est un n-ième disque de pop dont la production est techniquement impeccable ; quelques tubes efficaces à court terme qui exploitent comme ils peuvent les sons, rythmes, et mélodies d’une période brittanique et d’une période surf dont les plus jeunes ignorent jusqu’à l’existence. Sûrement sympathique sur scène. Ils vont en vendre des disques, ça c’est sûr. Mais, demain, qui se souviendra ? Sur ces bonnes paroles, je vous laisse en compagnie de l’influence flagrante…

Grinderman est né au cours de la tournée de promotion de “Abattoir blues / The lyre of Orpheus” de Nick Cave and the Bad Seeds. Ce cher Mr Cave s’est mis à écrire des chansons en composant pour la guitare (alors que ceux qui suivent savent que Nick Cave n’est pas exactement un guitariste). Le voici avec quelques chansons sur de la musique simple mais efficace, il embarque des amis des Bad Seeds (Warren Ellis, Jim Sclavunos, et Martin Casey) et ils partent enregistrer ça comme démo.

Ces quelques chansons ont formé la base de ce qui sera le premier album de Grinderman, intitulé sobrement “Grinderman”. De leur propre aveu, les quatre compères n’ont pas du tout cherché à produire quelque chose qui ait du succès mais quelque chose qui les défoule, qui les libère. Après tout, ils ont les Bad Seeds comme source de revenus presque garantie, et ont tous largement passé l’âge d’aller faire la catin sur MTV. Et poum, en 2007 voici enregistré (en quatre jours de studio selon la légende) le premier album de Grinderman.

Mais que dit-il se disque ? Eh bien d’entrée de jeu avec un gros gras Get it on on annonce la couleur. Pas question d’ochestration complexe et raffinée comme dans les Bad Seeds, l’heure est au défoulement, au brut de décoffrage. Un retour aux tendances de The Birthday Party (groupe post-punk dans lequel Cave a officié quelques temps, qui mérite une écoute aussi) peut-être, mais en tout cas de la pêche et du rentre-dedans bien couillu. Continuons avec No pussy blues aux paroles tordantes, Electric Alice et Grinderman hypnotiques, … mais c’est qu’ils savent faire quelque chose de simple aux accents de garage sans pour autant tomber dans la facilité du bourrin en plus ! Des artistes moi je vous dis ! On repart dans des endiablées plus rock’n'roll le temps d’un Depth Charge Ethel avant de revenir à de la bonne chanson de texte avec le magistral Go tell the women mais c’est vite reparti pour le duo pêchu I don’t need you (to set me free) et Honey Bee (let’s fly to Mars). Man on the moon d’une émotion déchirante, où Nick Cave rappelle quel bon chanteur il est, When my love comes down tendu à souhait, et enfin Love bomb pour cloturer comme il se doit ce disque un peu trop court en fait. 40 minutes de bonheur ça fait jamais que 40 minutes…

Un disque mené de main de maître, où Nick Cave sait rappeler une fois de plus que son succès n’est pas volé, et qu’il sait s’entourer de musiciens d’exception. Comme l’ont dit d’autres avant moi : il n’y a rien à jeter de ce disque. Un délice à découvrir ou redécouvrir avant la sortie du deuxième album, prévue pour septembre 2010.

Black Sun Empire est une bête à trois têtes, nommées Rene Verdult, Milan Heyboer, et Micha Heyboer. Venus d’Utrecht dans la plate mais charmante Hollande, ils sont comme leurs compatriotes de Noisia des hommes à tout faire qui ont évolué dans les styles et les vagues, mixé, remixé, collaboré avec plus d’artistes qu’on pourrait en citer, … et continuent encore de produire via leurs deux labels et d’organiser des soirées. C’est bon là on a rangé au placard le stéréotype du hollandais avec sa meule de gouda et son joint au bec qui regarde passer une péniche ?

Comme souvent dans ce milieu, et à l’inverse des stars MTV, Black Sun Empire a du beaucoup tourner, mixer, faire danser et se faire connaître avant d’avoir l’occasion d’enregistrer un album full-length. Ce premier album est sorti en 2005, soit après dix ans d’activité donc, et s’intitule Cruel and Unusual. Huit titres qui curieusement n’essaient pas de s’enchaîner. Chacun a droit à son introduction, à son développement, à sa conclusion. Ceci est un album, un vrai.

C’est plaisant d’ailleurs, dès le début l’auditeur est accueilli dans un paysage sonore qui sait s’installer à son aise malgré l’urgence qui est imposée par le rythme drum’n'bass, l’énergie vient par vagues plutôt qu’en une grosse baffe et on se laisse emmener. The Cooler, Everything, Bitemark, … Chaque titre prend son temps mais amène son beat typé, racé, plus “drum” que “bass”. Et ça y va sur les featurings qui passent de Noisia à Corrupt Souls en passant par SKC et Illy Emcee. Les sons sont travaillés, les rythmes entêtants, on a bien vite envie de se retrouver devant les mêmes dans une salle obscure au milieu de centaines de gens défoncés à l’exta bien partis pour danser pendant des heures. Hideous, Sideways, Future Frame, … mouais en fait il manque un tout petit quelque chose. C’est du bon son, mais des fois ça manque un peu de structure, on ne sait pas exactement où ils vont par moments. Dommage, sans ça ce serait parfait. Breathe à l’introduction relaxante à souhait, au déroulement narratif qui ferait presque penser à de la musique de film. Et puis plus rien. Boh. C’est court, 55 minutes.

Black Sun Empire nous a servi là un album qui souffre ça et là de marques de jeunesse, qui seront rattrapées dans les galettes suivantes. Ça n’empêche absolument pas “Cruel and Unusual” d’être un moment de plaisir qui se laisse autant écouter en musique de fond qu’à fond les ballons. De la drum’n'bass comme on en fait peu, trop peu.

Soman est un projet à une seule tête, en la personne de Kolja Trelle, qui fut en son temps ingénieur son pour Absurd Minds ou Hocico, qui a remixé pour VNV Nation, et a quand même été signé chez Out Of Line ce qui n’est pas rien. Stylistiquement on lui colle souvent une étiquette EBM / powernoise, mais Soman est un mélange bien particulier de genre noise, electro, techno avec des incursions industrial, minimal, … bref une drôle de bête qu’on a du mal à classer alors qu’elle a une personnalité bien propre.

Soman a sorti trois albums et un EP depuis 2003, celui qui m’intresse dans le cas présent est l’album Mask sorti en 2007 sur le label indépendant Infacted (oui, c’est allemand ).

Mask s’ouvre avec Descent, une introduction déconstruite qui fait penser à l’effondrement d’un vaisseau au travers de plusieurs épaisseurs de baton ; c’est bruyant, brutal, dissonant et ça casse tout repère qu’on pourrait garder. Descent n’est qu’une ouverture vers le premier vrai morceau, Mask, qui annonce sans détour la couleur que prennent les oeuvres de Soman : des basses lourdes et nettes, des mélodies qui filent dans des aigus entêtants, une voix se pose dessus avec un chant en anglais qu’on n’entendra presque plus sur le reste du disque. La ligne de basse est omniprésente, elle martèle sans pitié l’auditeur qui est balancé au rythme de mélodies qui se déroulent lentement, progressivement. Simple et sans compromis, Soman sait ce qu’il veut, et il le fait.

Tout ceci peut paraître agressif, violent, un peu trop rentre-dedans pour ne pas céder aux plus vils stéréotypes du boum-boum, mais en fait il n’en est rien. Morceau après morceau on se laisse prendre par ces 4/4 entêtants, ces sonorités qui savent faire planer, cette voix sur Eye to eye qui n’est pas sans rappeler Pzychobitch, et surtout la production impeccable qui emballe le tout. L’artiste est ingénieur son et ça s’entend, tout est impeccable, les effets sont pertinents et subtils (ou, comme sur Detail deviennent part entière de la mélodie), le mixage laisse sa part à chaque voix. Mettez ce disque en musique de fond et avant de vous en rendre compte un pied battra, une tête balancera, … c’est ça, l’effet de Soman. Du beau boulot.

En bref, un disque qui n’est pas forcément le plus accessible de tous, mais qui sait convaincre ceux qui lui laisse le temps de les séduire. Brut sans être brutal, net mais en finesse.

Le disque s’ouvre sur une chanson qu’on a tous trop entendue. La maintenant, je l’écoute, histoire de me remettre dans le bain. Les arpèges minimalistes se marient bien avec la voix enrouée de la pas encore première dame de France. Quand je dis qu’ils se marient bien, il faut comprendre: quand tu mets de la merde avec de la merde, ça donne un bon gros tas de merde. Le pire du pire c’est quand elle se met à hmmhmmmer avec un fond difficilement identifiable à l’arrière (violon ? synthé ?). Le disque enchaîne sur Raphaël, la chanson la moins pourrie cramée du lot. La voix est pas trop mauvaise, les accords ont une certaine dynamique qui sauve le tout. Et puis ça parle de cul. Et puis Raphaël, j’aimais déjà bien ce prénom à l’époque, donc forcément. Mais ça reste de la daube. Ceci dit, on sent quand même pas mal la patte de Bertignac dans la production. Comme quoi, ça paye d’avoir été groupie du temps où on était mannequin (Big up à toi Kate Moss !). M’enfin, Raphaël finit et on repart sur un morceau dégoutant de guimauve. Avec des paroles super engagées: «Il faudrait que tout le monde réclame, auprès des autorités, une loi contre toute notre solitude». Eh ben putain ! Enfin, maintenant qu’elle est première dame, elle va bien nous pondre ça non ? Et ça continue sur le morceau suivant et le suivant, et le suivant… Franchement, j’ai rarement écouté un album où toutes les chansons se ressemblaient autant…

Sans déconner, j’ai du mal là. Je suis en train de l’écouter, et si je ne le chroniquais pas en direct live, je me ferais chier, mais d’une force ! Encore pire que dans mes cours d’anglais de DEUG… J’ai du mal à choisir mes mots pour définir l’ennui. Ah, pardon, une autre piste qui tente, sans succès, de sauver un peu la galette: Le Plus Beau du Quartier où elle se met dans la peau d’un mec qui couche avec tout et n’importe quoi, quel que soit le sexe, et qui se la pète un peu. M’enfin, y a du rythme et on sent à nouveau la patte de Bertignac. Par contre après, les quatre dernières pistes, je n’y arrive pas. À trouver les mots pour dire à quel point je trouve ça mauvais, out of tune, surfait, gnan-gnan, guimauve…

Il y a des personnes à qui on devrait INTERDIRE, par la voix du législateur, de chanter. Carla Bruni nous démontre avec une rare maestria et dès son premier album qu’elle fait définitivement partie de ces gens là !

En 2009, Lynyrd Skynyrd nous a donc gratifié d’un nouvel album après plus de 40 années de carrière, riches en péripéties (décès de nombreux membres, grandes variations du line-up…): God & Guns.

L’ami T, camarade de longue date du partage musical m’a tellement saoulé avec cet album que je me devais de le partager sur la Fougère. Après l’avoir écouté une première fois, je l’écoute à nouveau pendant que je le chronique. Et je suis assez partagé.

L’album s’ouvre avec Still Unbroken, un morceau bien péchu, bien dans la veine Southern Rock. Guitares riches, rythmes simples et efficaces, un bon morceau. Ensuite arrive Simple Life, lui aussi assez taillé dans le même bloc de roc du sud et qui clame, en gros, que la vie simple c’est bien et que c’était mieux avant.

Les thèmes retenus par l’album sont classiques: Les femmes (en général), l’amour (en particulier), les states (en général), le sud (en particulier) et aussi et surtout: moi, moi, moi et moi. C’est ce que je reprocherais un peu à Lynyrd Skynyrd, c’est de chanter souvent qu’ils sont les meilleurs.

Musicalement parlant, l’album est cohérent avec lui même, voire assez peu varié dans ses riffs, ses rythmiques. Sans la puissance qui le caractérise du début à la fin, j’oserais presque dire qu’on est à la limite de l’ennui, ce pourquoi l’ami T voudra probablement me faire manger mes tripes. J’attend d’ailleurs avec impatience la contre-chronique qu’il m’a promise, et qui sera postée dans ces lignes.

Pour clore ces quelques lignes, je dirais que si l’album n’est pas mauvais, il n’est pas non plus génial, loin de là. Je dirais même qu’il est commun. Une illustration correcte serait la suivante: c’est un album qu’on aurait beaucoup de plaisir à écouter dans le désert, au volant d’une muscle car quelconque (Ford Mustang, Shelby GT, Buick GSX, Ford GranTorino, Dodge Charger, Chrysler C-300, Pontiac GTO ou Plymouth Barracuda, it’s up to you…) mais sans plus.

Et si je suis assez content qu’il l’ai partagé avec moi, si je l’écouterais à l’occasion avec plaisir, je n’irais sûrement pas dépenser 20€ (± 5) pour l’ajouter à ma collection de galettes. Et avant de rendre l’antenne, je te propose d’écouter la première piste de l’album et de regarder le clip…

C’est donc avec l’album From Mars To Sirius que j’ai découvert ce groupe français qui fait un peu figure d’OMNI dans le monde musical hexagonal. Déjà parce que des groupes de métal par chez nous, on en a pas beaucoup. Quoi ? AqME ? Lofofora ? Et Eths ? Non, non, je te parle de vrais groupes tu vois, crédibles au niveau international, et puis avec un minimum de qualité au rendez-vous, t’as vu ? Non, je dis pas que y en a pas du tout, je dis qu’il y en a pas beaucoup. C’est pas un reproche, c’est un constat. Donc cette parenthèse refermée, je reprend sur Gojira. Je disais donc que des groupes de ce genre et de cette envergure, on n’en a pas beaucoup par chez nous. Alors en plus nos petits frenchies, ils se permettent d’avoir un message habituellement réservé aux groupes de pop et aux artistes de la nouvelle-star: sauvons la nature et les petits oiseaux. Blague à part, il faut avoir un certain culot pour faire passer un message écologique en alignant des murs d’amplis qui bouffent 1,21 gigowatts (chacun). Ou peu s’en faut. Ceci dit, Christophe Maé qui chante C’est Ma Terre avec sa petite guitare, il la branche sur des amplis aussi. On va donc mettre de côté l’argument écologique. Quel que soit le sens dans lequel on l’utilise.

M’enfin, maintenant qu’on a présenté le groupe, passons à l’album. Alors From Mars To Sirius fait partie de ce que j’appellerais mes indispensables. En tout cas si on aime un tant soit peu s’aventurer en dehors des sentiers battus du rock vers des trucs un peu plus hards. Côté line-up, le groupe est classique: guitare, guitare, basse, batterie. Ce qui est sympa, c’est que quand on a pas l’habitude du death, les voix sont relativement soft. Certes, certes, on a l’impression, ou peu s’en faut, que Jo Duplantier va manger son micro, mais il y a quand même plus qu’un semblant de mélodie dans ce qu’on appelle des grognements dans le jargon (si, si, mais bon, moi quand je grogne, ça fait pas ce bruit là). La double pédale sera là tout le long de l’album, ou presque, appuyant lourdement sur les power-chords des guitares. Ceci dit, les power-chords, elles savent en sortir les guitares, et ça, c’est appréciable, parce que, un ça va, c’est quand il y en a trop que ça ne va plus du tout (Big up à toi Brice ! Te laisse pas faire par tous ces auvergnats). On a donc une rythmique assez hachée, qui surprendra le néophyte.

J’aime aussi beaucoup sur cette album, les grands moments de calme (tout relatif il est vrai, mais calme quand même), durant de longues introductions, comme par exemple Flying Whales ou encore From Mars (première partie du diptyque From Mars To Sirius qui donne son nom à l’album) ou bien un instrumental comme Unicorn. Voire même dans un morceau qui me surprend à chaque fois: World To Come.

L’album se termine en beauté par un morceau qui, rien que par son titre, te rappellera pourquoi le groupe te chante ses chansons: Global Warming.

Pour résumer grossièrement ma critique, je dirais ceci: si tu n’écoutes pas de Death, voire pas de Metal, et que tu te demandes bien ce que ton camarade chevelu barbu peut bien trouver à tous ces groupes qui font rien qu’à manger leurs micros, tu devrais écouter cet album de Gojira. Non seulement tu comprendras, ô lecteur, mais peut être que toi aussi tu t’y mettras. Je l’ai bien fait moi, alors…

Pour clore cette chronique que j’espère élogieuse malgré quelques vannes plus ou moins bien placées, je te propose de regarder une vidéo un peu vieillotte de Gojira en live qui nous chante Flying Whales, le morceau phare de l’album, qui a, tu t’en est aperçu, donné son titre à cette chronique.

Maybeshewill est un groupe britannique, originaire de Leicester, un trio au studio (James Collins, Robin Southby, John Helps), quatuor sur scène (Jamie Ward les rejoint armé de sa basse); Maybeshewill est indépendant, Maybeshewill est même un de ces groupes DIY (Do It Yourself) ; preuve vivante que tout s’apprend et qu’un artiste peut assurer sa production, enregistrement, mastering et distribution lui-même. Maybeshewill c’est donc un groupe de musiciens, un label, une agence de booking, un studio d’enregistrement et une structure de promotion. Je ne sais pas si vous avez idée du travail de bénédictin que ça représente, mais ces garçons en ont, et en veulent !

L’album “Not for want of trying” est leur premier, sorti en 2008. C’est d’ailleurs là que ça devient impressionnant, ce premier album est d’une maturité, d’un aboutissement qui laissent coi. Mélodies, orchestration, enregistrement, mixage … tout est impeccable, d’un professionnalisme qui donnerait à rougir à bien des professionnels. L’album s’ouvre sur “Ixnay on the autoplay”, une introduction en 102 secondes portée au piano et samples aux sonorités réminescentes de 65daysofstatic. Et là, on entre dans le vif du sujet avec “Seraphim & Cherubim” où la batterie arrive, insistante et obsédante, soutenue par une guitare saturée. la force est là, l’émotion est là, le piano revient vite la rejoindre pour ce qui est vite un entrelac de passages léger en dialogue de piano et d’arpèges aériens, et de passages plus lourds qui forcent presque à se lever et courir le poing en avant.

Effectivement comme ouverture ça rappelle tellement 65daysofstatic que beaucoup ont certainement lâché ici en collant une étiquette “YA65DOS” avant d’aller voir ailleurs.

Grave erreur.

Le disque continue avec l’énergique “The Paris Hilton sex tape” et déjà l’alchimie de Maybeshewill fait son effet. Ici il n’y a pas d’usage abusif du contretemps ou d’une boîte à rythme qui flirterait avec le breakcore comme le ferait 65daysofstatic ; ici tout semble s’articuler de façon très naturelle, l’instrumental déroule son histoire tout en sincérité et sans faux artifices, toujours porté par une batterie mise en avant, on se surprend à battre la mesure et il faut bien l’admettre, c’est puissant. Vient “I’m in awe, Amadeus” où un deuxième clavier se joint au premier, les frontières entre musiques électroniques et post-rock se gomment avec un naturel déconcertant, et c’est tellement bon … et toujours ces crescendo qui savent aller jusqu’à l’instant climactique où les émotions explosent en un paysage sonore terriblement beau. L’émotion se mèle tout aussi bien à la force dans le souple mais énergique “We called for an ambulance but a fire engine came”, à ce stade-ci il est bien clair que les comparaisons avec 65daysofstatic n’ont pas lieu d’être, Maybeshewill sait mener un voyage sonore de main de maître.

Du chant à deux voix sur “Heartflusters”, le retour de l’urgence, de la détresse sur “C.N.T.R.C.K.T.”, la terrible mélancolie de “He films the clouds pt. 2″ et comme duo final la plage titulaire “Not for want of trying” et la berceuse “Takotsubo” qui à deux sont comme une preuve que Maybeshewill sait en deux morceau nous promener dans toutes les émotions, tous les paysage qui ont fait de cet album un plaisir dont on ne voit pas passer le temps.

“Not for want of trying” est un album qui sait se faire abordable sans sombrer dans les stéréotype, une belle porte d’entrée vers les expérimentations que la niche post-rock réserve. Je le recommande vivement.

Donc Glitter and Doom Live de Tom Waits est une petite (non, en fait une grosse) tuerie. Il s’agit de l’album live enregistré pendant la tournée américano-européenne du même nom en 2008 et sorti en 2009, fin octobre, début novembre, parfait pour les fêtes de Noël.

Si tu ne connais pas Tom Waits, voici quelques endroits où tu aurais pu le voir ou l’entendre puisqu’il participe souvent à la BO des films dans lesquels il joue.

Déjà, avec cet album, on continue de plus en plus de s’éloigner du crooner à la voix veloutée du début des 70′s. Comme d’habitude depuis le début des années 1980′s, sa voix est à chaque nouvel album un peu plus marqué par les abus divers de la vie d’artiste, en ce qui le concerne, principalement le whisky et les cigarettes. La voix du maître est donc à chaque nouvel album un peu plus rocailleuse, un peu plus agressive. Imagine un chanteur de Death Metal qui voudrait endormir sa petite fille adorée avec une berceuse. Ça va ? tu l’imagines dans ta tête ? Ben la voix de Tom Waits, c’est pire.

Donc voilà pour la forme. Et dans le fond, qu’est-ce qu’on a ? Une compilation des derniers succès du Tom, tirés principalement de ses meilleurs albums post-90 (au pif comme ça: Black Rider; Blood Money; Orphans: Brawlers, Bawlers and Bastards; Bone Machine…), mi-parlés, mi-chantés, mi-hurlés, mi-vomis aussi parfois. L’accompagnement est improbable, énergique. On retrouve aussi les petits dialogues humoristiques de temps en temps, qui nous rappellent que Tom Waits, en plus d’être un musicien, est un homme de scène et qu’il communie vraiment avec son public.

Maintenant parlons un peu de l’objet. Des objets en fait. Oui, parce que c’est ça qui est sympa avec Tom Waits, c’est qu’il y a DES versions d’un même album. Par exemple moi, j’en ai acheté deux versions différentes: une pour mon anniversaire, et une pour le Noël de mon papa. Alors en fait, il n’y a que deux versions: la version vinyle et la version CD, mais à l’époque de la sortie, il y avait aussi les versions avec le livre et/ou le tee-shirt. Donc il y a un merchandising correct, sans être non plus foutage de gueule. En gros, tu choisis si tu veux les vinyles ou les CD’s, et tu choisis si avec ça tu veux le tee-shirt et/ou le livre de photos.

J’ai pré-commandé le double vinyle seul. C’est un très bel objet. Grande pochette de trente centimètres (classique) décorées de photos à l’intérieur. Les pochettes intérieures sont épaisses, mais pas en carton comme cela peut se voir (le carton est désagréable à manipuler et dangereux pour les disques) et les disques sont des 180 grammes, ces disques épais, quasi-indestructibles. J’ai ensuite acheté le double CD pour le Noël de mon Papa. Alors qui dit double-vinyle, dit en général simple CD, mais la version CD comporte un deuxième disque: les Tom Tales, 35 minutes de discours divers et variés par le Tom pendant le concert à propos de sujets aussi loufoques que les vautours, la compagnie du gaz, les rats, l’Oklahoma, les éléphants et pleins d’autres.

Pour résumer, cet album est plus qu’un simple live, c’est un objet. À posséder, ou pas, c’est comme on veut. Mais un objet beau, et précieux, de par sa nature musicale. Alors cet album, j’espère que je vous ai donné envie de l’écouter, à défaut de l’acheter

En effet, on part d’un constat simple: la musique, c’est un peu comme le sexe; c’est meilleur à plusieurs.

Dans le blog de la fougère, on trouvera donc de la musique qui gère la fougère, sans limitation de style, d’époque ou de préférences sexuelles. On trouvera des choses qu’on aime, mais aussi d’autres qu’on n’aime pas. Il y aura des choses qu’on encensera, et d’autres qu’on descendra. Il y aura des albums très mainstream, et d’autres carrément introuvables.

Allez jeune padawan, à bientôt sur la fougère, et en attendant de lire nos premières chroniques, que la force soit avec toi !